El regreso del post-hardcore, punk rock y emo: el Vans Warped Tour México 2026
Por Héctor Fabián García.
Durante más de una década, el segundo encuentro del punk con la corriente dominante produjo una amarga división dentro de la escena. Los defensores más acérrimos del underground se volvieron contra aquellos que se atrevieron a abandonar la comunidad que los había visto nacer.
Dan Ozzi. Vendido.
Hablar del Vans Warped Tour, que por primera vez se llevará a cabo en México en pleno 2026, me provoca un profundo sentimiento de nostalgia. Me hace recordar mi época de juventud, cuando salía a patinar escuchando punk rock, skate punk, post-hardcore y emo. Es un sentimiento extraño, difícil de explicar, porque en México esta escena musical no logró conglomerar a una generación sólida de punk rockers, emos y skaters como sí ocurrió en Estados Unidos.
En el país del norte coincidieron varias cosas: el auge de las disqueras independientes —Victory Records, Epitaph, Kung Fu Records, Hopeless Records—, la moda del skateboarding —Etnies, Osiris, Lakai, Element, Blind, Santa Cruz— y una generación de jóvenes músicos que puso de moda el punk californiano. También cambiaron las letras. Aquellas canciones de protesta que tanto caracterizaban al street punk comenzaron a hablar de rupturas amorosas, hobbies, ociosidades y problemas emocionales juveniles.
El punk seguía siendo punk, pero comenzaba a hablar de otras cosas.
«Mientras que Los Ángeles tenía a sus celebridades y San Francisco contaba con el Gilman y Maximum Rocknroll, las respetadas instituciones del «hazlo tú mismo», San Diego tenía tablas. En su territorio se encontraba Transworld, el grupo mediático que editaba revistas y videos de gran difusión de skate, snowboard y surf. La ciudad también había dado a luz a la empresa de calzado de skate Airwalk, a la leyenda del skate profesional Tony Hawk y al Carlsbad Skatepark, el primero que se construyó en California.»[1]
Hace aproximadamente veintiséis años, el impacto de bandas pioneras del post-hardcore como The Used, Taking Back Sunday, Thursday, Brand New, Silverstein, Finch, Thrice, Alexisonfire, Matchbook Romance, Emery y Hawthorne Heights, entre muchas otras, dio paso a lo que posteriormente sería denominado género emo. A esta corriente se sumarían bandas como Funeral for a Friend, Straylight Run, The Red Jumpsuit Apparatus, Anberlin, Mineral, Senses Fail, Panic! at the Disco, Armor for Sleep, Mayday Parade, Breathe Carolina, entre muchas más.
Lo curioso es que, al parecer, muchas de las bandas de aquel entonces tampoco sabían exactamente a qué género pertenecían o qué era lo que estaban produciendo. Algunas pasaron del post-hardcore al emo y otras hicieron el camino inverso. Las etiquetas parecían llegar después de la música, cuando alguien necesitaba ponerle un nombre a aquello que estaba sucediendo.
Durante los primeros años de los noventa también surgieron bandas nuevas influenciadas por la popularidad de grupos como Green Day[2], Offspring[3] y Blink-182[4], a quienes muchos grupos de la escena underground no tardaron en etiquetar como vendidos.
Parecía una contradicción. El éxito que alcanzaron estas bandas, cargando con el estigma de ser “pop-punk” y no “punks”, en lugar de provocar su desaparición, generó una nueva ola de bandas juveniles. Ya no se trataba necesariamente de componer canciones con letras políticas, anarquistas o de protesta. Se estaba construyendo otro espacio, dirigido a jóvenes que solamente querían divertirse y cuyas preocupaciones eran sus relaciones, fracasos y deslices amorosos.
Fenix Tx, Rufio, The Ataris, Good Charlotte, Alkaline Trio, Sum 41, Saves the Day, New Found Glory, Simple Plan, Tsunami Bomb, Allister, Audio Karate, The Starting Line, Less Than Jake y muchas más formaron parte de aquella generación.
«Todos los grupos intentaban ser como Green Day, pero no tenían trasfondo ni personalidad. No eran más que unos imitadores —dice DeVoe—. Por eso intenté darle a Blink, que era como cualquier otra banda de punk de mediados de los noventa, algún tipo de identidad. La vinculé con productores de documentales de surf y la empresa Billabong. La introduje en el sector de los deportes de acción. Funcionó, porque su música caló entre los surfistas y los patinadores profesionales. […] Quiksilver, Billabong, Volcom… Todas esas marcas eran muy prestigiosas. El estilo del sur de California estaba de moda y la banda lo encarnaba a la perfección.»[5]
Por otro lado, esta ola de bandas que emergían por doquier también provocó nuevas transformaciones. El emo mutó hacia lo que algunos clasificaron como screamo. Los ejemplos sobran: Atreyu, Underoath, Alesana, Sleeping With Sirens, Falling in Reverse, Black Veil Brides, entre otras.
Del pop-punk, por su parte, surgió una vertiente denominada power pop, con una tonalidad de rock experimental. Muchas veces, estas bandas eran difíciles de clasificar dentro de una sola etiqueta. Entre ellas se pueden mencionar Jimmy Eat World, Yellowcard, All-American Rejects, Something Corporate, Brandston, Coheed and Cambria, Fall Out Boy, Reggie and the Full Effect, Further Seems Forever, Motion City Soundtrack, Dashboard Confessional, Secondhand Serenade, We the Kings y All Time Low, entre otras.
Y entonces surge la pregunta de fondo: ¿por qué, si existieron tantas bandas y propuestas musicales, no tuvieron un impacto mayor en México durante los años noventa y dos mil?
Tal vez la respuesta tenga que ver con muchos factores. Sin embargo, habría que destacar algunos que considero relevantes.
El primero es que la música que estaba de moda en México durante aquellos años era el ska, el hiphop, el reggae, el pop punk y el nu metal. En otras palabras, bandas como NOFX, Pennywise, Millencolin, The Bouncing Souls, Satanic Surfers, Ten Foot Pole, Bad Religion, Guttermouth, Rancid, The Vandals, MxPx y AFI no eran lo suficientemente comerciales ni populares como para tener cabida en la radio y la televisión mexicana.
El segundo factor era la dificultad para conseguir los discos de estas bandas. Las disqueras en México tampoco distribuían ampliamente este tipo de material y el poco que se podía conseguir tenía un costo elevado. El escaso material disponible llegaba, en buena medida, gracias a la piratería y, posteriormente, por programas como Napster, Kazaa, Ares y LimeWire.
Dicho de otra manera, escuchar a estas bandas implicaba una búsqueda exhaustiva en foros de internet. Había que tener una computadora de escritorio en casa y, en algunos casos, dos líneas telefónicas, una para poder descargar durante toda la noche un disco o un videoclip completo y otra para las llamadas familiares. Tener acceso a esa tecnología como un reproductor de mp3 portátil y a una conexión a internet era, en cierta medida, un privilegio.
El tercero es que tampoco había muchos lugares cercanos a la periferia donde se pudiera convivir alrededor con este tipo de música. Eso sin mencionar que los pocos jóvenes que escuchaban a esas bandas, en el mejor de los casos, cursaban la preparatoria o estaban saliendo de ella.
Por esa razón, también era una comunidad muy joven, hermética y poco relevante en aquel entonces. Y había algo más: el simple hecho de andar en patineta y vestir holgado podía ser suficiente para ser etiquetado como un vago o marihuano.
Pero si todos estos factores eran contraproducentes para este tipo de música, ¿cómo es que surgió una escena musical que logró conjuntar a una pequeña generación que posteriormente tendría su boom en los años 2000 con el género emo y que, después, moriría intempestivamente?
La respuesta es complicada. Sin embargo, habría que detenerse en ciertas bandas juveniles mexicanas que crearon una escena musical desde lo aledaño, influenciadas por el punk rock californiano. Basta mencionar algunas que hoy son consideradas pioneras y bandas de culto en México: Spalding Gray, Bigspin, Axpi, Giforen, Gula, 301 Izquierda, Hule Espuma, Elli Noise, Sad Breakfast, División Minúscula, entre otras.
Quizá ahí se encuentre una parte de la respuesta. Una escena pequeña, construida desde la periferia, podía existir incluso sin tener la misma dimensión que aquella que se desarrollaba al otro lado de la frontera.
Pero, a todo esto, ¿por qué después de veintiséis años el punk rock, el post-hardcore y el emo vuelven cuando el público que irá a verlos son, en su mayoría, adultos?
Aquí prefiero dejarme llevar por mi intuición.
Considero que actualmente la música comercial está atravesando una especie de agotamiento. La industria musical nos vende shows, espectáculos de baile, luces y, en el mejor de los casos, performances. El público ya no conecta de la misma manera con esas bandas.
Mientras tanto, festivales como Corona Capital, Vive Latino o Pal Norte ofrecen bandas repetitivas o propuestas musicales muy nuevas con las cuales a muchos les resulta difícil conectar. Existe, además, otro problema: se nos vende la idea de que a estos eventos se va principalmente a escuchar a los headliners, menospreciando así a otras bandas que también tienen talento y propuestas interesantes.
Y eso sin mencionar el costo de los boletos. No solo representan un lujo; en ocasiones se convierten en un pago exagerado o excesivo que deja mucho que pensar sobre el acceso a la música en vivo.
En este contexto, el Vans Warped Tour México es una apuesta arriesgada. Muchas de las bandas que forman parte de esta edición tuvieron su boom y su efervescencia hace más de quince años. Pero cuando el mercado musical parece no tener mucho más que ofrecer a un precio razonable, quizá lo mejor sea apostarle a aquellas bandas poco comerciales en México y olvidadas por el gremio.
Cabe señalar, además, que muchos de estos grupos no solamente conservan una buena calidad musical, sino que algunos han retomado aquello que en su momento los posicionó: volver a conectar con el público y tocar nuevamente en fiestas universitarias, en foros, en festivales pequeños y en espacios donde la relación entre la banda y su audiencia vuelve a sentirse más cercana.
En otras palabras, hace 27 años me hubiera gustado asistir a un Warped Tour en el que hubiera podido escuchar a esas bandas que estaban en boga, aquellas que estaban creando no solamente una identidad, sino también una comunidad y, sobre todo, una filosofía.[6]
No ocurrió entonces.
Pero ocurre ahora.
Algunas bandas de aquella época dejaron de tocar y muchas otras estarán presentes en esta edición de 2026 en México. Con mucha emotividad, melancolía y nostalgia, puedo decir que soy parte de esa generación que vive en el Estado de México y que, desde Ecatepec de Morelos, un lugar muy rockero y punk por excelencia, hoy puede escuchar en vivo a muchas de esas bandas que hace veintisiete años me hubiera gustado oír.
También soy parte de esa generación que, por cuestiones geopolíticas y económicas, no pudo gozar de aquella escena musical estadounidense que estaba de moda durante los años 2000.
Quizá por eso este festival representa algo más que un simple concierto.
Para algunos será un reencuentro; para otros, una oportunidad de volver a escuchar las canciones que marcaron su juventud. Para quienes fuimos demasiado jóvenes, vivíamos demasiado lejos o simplemente no tuvimos las condiciones para vivir aquella escena en su momento, quizá sea la posibilidad de cerrar una pequeña deuda con el pasado.
Por último, me da mucho gusto que el Vans Warped Tour México pueda llevarse a cabo en pleno 2026 y que, de alguna manera, pueda heredar a las nuevas generaciones un legado musical que surgió justo cuando las juventudes de aquel entonces tenían problemas existenciales, emocionales y una búsqueda de identidad y pertenencia.
Esa búsqueda sigue estando muy presente, sobre todo en una época en la que las y los jóvenes de hoy enfrentan con decepción, desdén e incertidumbre un futuro que parece cada vez más difícil de alcanzar. Cuando el capitalismo de la música hegemónica parece no tener mucho más que ofrecer, el retorno del post-hardcore, el punk rock y el emo puede convertirse en una forma de resistencia musical.
Porque, al final de cuentas, los orígenes de estos subgéneros vienen del punk.
Y quizá ahí radique la verdadera nostalgia: no solamente en volver a escuchar aquellas canciones, sino en recordar lo que significaban cuando todavía estábamos tratando de descubrir quiénes éramos y hacia dónde íbamos.
[1] Ozzi, Dan. Vendido. La locura de las grandes discográficas que barrió el punk, el emo y el hardcore. España: Neo Person, 2021, p. 138.
[2] Rolland, David. “Green Day Went From Punk-Rock Sellouts to Pop-Punk Pioneers”, en Miami New Times, 29 de julio de 2021. Recuperado de: https://www.miaminewtimes.com/music/things-to-do-in-miami-green-day-at-hard-rock-stadium-august-1-2021-12623402
[3] Zillich, Tom. “The Offspring go from ‘sellouts’ to selling out arenas 30 years later”, en SurreyNow-Leader, 26 de enero de 2026. Recuperado de: https://surreynowleader.com/2026/01/26/the-offspring-go-from-sellouts-to-selling-out-arenas-30-years-later
[4] “Blink 182: No Sell Out”, en Popmatters, 10 de julio de 2008. Recuperado de: https://www.popmatters.com/blink-182-no-sell-out-2496162475
[5] Ozzi, Dan. Vendido. p. 138.
[6] Porque sí, si existe una filosofía punk que tiene sus cimientos en la música y la moda, que no necesariamente deriva de los textos anarquistas de mediados del siglo XIX, pero es un tema del cual me gustaría hablar y escribir en otro momento.
